El pasado 3 de marzo, los Premios Iberoamericanos de Mecenazgo (que cada año tienen lugar en Madrid) celebraron una nueva edición de las conversaciones de “La Suerte de Dar”. Esta vez se contó con una novedad: una apasionante charla entre un curador de prestigio mundial, como lo es Simon de Pury, y cuatro artistas, tanto emergentes como en middle career: Rosana Antolí, Donna Huanca, Sofia Mitsola y Paolo Salvador.

Este nuevo espacio de diálogo, dentro de las iniciativas que promueve Fundación Callia, tiene un nombre: The Curator and The Artists.

The Curator & The Artists nace con la ambición de convertirse en una plataforma que dé visibilidad y pueda dimensionar el valor del trabajo de jóvenes creadores (con una trayectoria excelsa) en un entorno privilegiado, como es el de los Premios Iberoamericanos de Mecenazgo, donde convergen artistas, mecenas, coleccionistas y directores de museos internacionales. La idea es que todos ellos puedan conectar, aprender y crecer juntos.

The Curators and The Artists
ROSANA ANTOLÍ En el agua todo flota, nada pesa (2023)

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Rosana Antolí fue la primera artista en intervenir. Esta artista española se formó en la prestigiosa Royal College of Art de Londres, ciudad en la que tiene su estudio y residencia. Su obra trata temas tan diversos como el cuerpo, la identidad y el hidro-feminismo, entendiendo el agua como parte esencial nuestra y de lo que nos rodea.

Rosana, bienvenida a las conversaciones de “La Suerte de Dar”. Háblanos, por favor, de tu trabajo.

Soy una artista multidisciplinar. Trabajo con diferentes soportes, pero el performance siempre es el centro de mi práctica. Al contemplar mi pintura, puedes ver las capas y las conversaciones que mantengo conmigo misma, borrando, dibujando, creando movimientos y acciones; en definitiva, coreografías interiores.

¿Cómo se adaptan soportes tan diversos a la realidad, ya no sólo a nivel institucional, sino también a nivel de mercado?

Como artista, cuando trabajas en una instalación o en un proyecto similar, respondes siempre a un contexto. Por ejemplo, cuando haces un trabajo in situ para un museo, tienes un escenario en el que experimentar y probar cosas, tanto en el espacio como con los materiales. Sin embargo, en una feria de arte, tienes un espacio limitado en el que mostrar tu trabajo. Los coleccionistas también tienen limitaciones en cuanto al espacio. Creo que, para un artista, es crucial entender cuáles tienen que ser sus respuestas en función del entorno y cómo va a interactuar con él a través de su trabajo.

Premios Mecenazgo
DONNA HUANCA Punx mohawk (2023) Obra donada a favor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Donna Huanca es una artista estadounidense de raíces bolivianas, afincada en Chicago. Donna está presente en las ferias más importantes del mundo y también en prestigiosas colecciones. Ya es, sin lugar a dudas, una estrella del establishment del arte.

¿Cómo te acercas al arte? ¿Cuál fue el click que te hizo dedicarte profesionalmente a esto?

Comencé como música. Tocaba la batería. Estaba enamorada de la música y de componer sonidos. Cuando iba a la escuela de Arte, estudiaba pintura, pero me apasionaba más la idea de experimentar con ella. De ahí que el elemento del performance sea tan importante en mi trabajo: crear momentos diferentes y desconocidos, ya que mis performances no siguen ningún tipo de coreografía. Cuando hago uno, en realidad busco un momento auténtico. Ni siquiera yo sé lo que va a pasar. Suelo trabajar en varios lienzos a la vez; no me centro en ninguno en concreto.

Crecí en Chicago y pasaba los veranos en Bolivia. Creo que eso realmente ha enriquecido mi visión de lo que puede ser una obra de arte completa, ya que la siento como una experiencia viva, y no tanto como algo que está terminado o muerto.

Debo decir que me encanta el trabajo que has donado para la Gala benéfica de los Premios Iberoamericanos de Mecenazgo. Es preciosa. ¿También se creó, como dijiste, simultáneamente con otras obras?

Sí. Suelo utilizar la documentación de un performance anterior como punto de partida para los siguientes. Es un proceso continuo. Trabajo con sonido, escultura, pintura, performance. Necesito todos esos elementos a la vez.

The Curators and The Artists
SOFIA MITSOLA Atlantides (2024)

Sofía Mitsola, artista griega formada en el Slade School of Fine Art de Londres, trabaja principalmente con pintura, y su arte se centra en la investigación de la figura femenina. Sus representaciones están fuertemente influidas por las esculturas de la Antigua Grecia y del Antiguo Egipto. Suele pintar personajes que se asemejan a diosas o criaturas mitológicas.

Te representa la galerista Pilar Corrias. Interesante. ¿Cómo sucedió el encuentro?

Unos meses después de graduarme de mi MA en Slade, tuve mi primera exposición individual en el Jerwood, una fundación en Londres para artistas emergentes. Recibí muchas visitas al estudio, y muchas personas vinieron a ver la exposición y publicar sobre ella. Fue así como empecé a recibir visitas de galerías interesadas, entre ellas, Pilar, cuyo programa admiraba desde hacía años. Pensé que sería un buen lugar para empezar mi carrera profesional como artista. Tienen artistas contemporáneos brillantes y para mí es un privilegio ser una artista de esta galería.

arte
PAOLO SALVADOR Otra mañana de abril (2024)

Paolo Salvador es originario de Perú y formado también en la Slade School of Fine Art de Londres. Sus obras representan escenas míticas que reflexionan sobre temas antiguos, como los diversos aspectos de la condición humana. A través de sus pinceladas sueltas y colores saturados, sus representaciones hacen alusiones a su vida personal y a su identidad peruana.

¿Quiénes son los artistas que más te inspiran? ¿Son figuras del pasado o están activos en el presente?

Creo que de ambos. Quiero decir, vivir en Londres supuso un cambio enorme para mí, ya que estaba estudiando Historia a través de libros. Sin embargo, cuando empecé a viajar y pude ver, por ejemplo, las obras de Francis Bacon en The Flesh, todo cambió drásticamente. En Londres, se presentan grandes exposiciones constantemente, como las de Michael Armitage o Peter Doig, que disfruto mucho. Al mismo tiempo, no puedo evitar, al venir aquí a Madrid, disfrutar de Goya y toda la tradición de la pintura española tan conectada con el lugar de donde vengo, Perú. Siempre estoy revisando el pasado para tener una mirada renovada. Creo que tener este sentido de historicismo es importante para reconocer nuestra realidad.

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Tu trabajo se caracteriza por su iconografía de animales. ¿Qué puedes contarme sobre esto?

Sí, para mí, el animal es como un instrumento para navegar a través de diferentes metáforas. No tiene un significado específico; de hecho, no diría que se trata de un animal en particular. Es, más bien, la idea de un animal. Esta idea puede tener múltiples significados que vienen de la experiencia vital, que vienen de la búsqueda de mi identidad y expresión. Me gusta dejar que el animal sea un eco de lo que está sucediendo en la narrativa de la pintura. La razón por la que elegí comenzar a pintar animales fue porque en mi instituto en Perú solíamos tener como un zoo para especies en peligro de extinción. Estábamos muy cerca de animales… como jaguares, pumas o aves. Crecí observando a los animales e intentando comprender qué roles desempeñan desde la perspectiva humana.

Con un tiempo extra para conversar entre ellos y atender a las preguntas del público invitado, se puso fin a esta primera edición de The Curator and the Artists, que se convirtió en un espacio donde convergieron la frescura de jóvenes talentos y la sabiduría de un gran curador del mundo del arte, como lo es Simon de Pury. Apasionante y, como todo lo que hace mi querido amigo Simon, muy entretenido.

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