Por Guillermo Gutiérrez Leyva*
Durante décadas, la música en vivo estuvo asociada a una idea muy específica de experiencia: grandes multitudes, escenarios masivos y una cultura social en la que el consumo de alcohol era casi parte del ritual. Pero algo empezó a cambiar. La generación que hoy define muchas de las conversaciones culturales —la Gen Z— está reconfigurando no solo qué música escucha, sino cómo quiere vivirla.
Los datos y las tendencias de los últimos años apuntan en la misma dirección. El público joven consume menos alcohol que generaciones anteriores, prioriza espacios más seguros o controlados y muestra interés por experiencias que se sienten más curadas que masivas. Esto no significa que la música en vivo esté perdiendo relevancia; al contrario. Significa que el contexto alrededor de la música está evolucionando.
Hoy vemos un crecimiento en eventos más íntimos, conceptuales o temáticos. Shows en espacios no tradicionales, sesiones especiales para comunidades específicas, experiencias que mezclan música con arte, moda o tecnología. En muchos casos, el atractivo ya no está solo en ver a un artista en el escenario, sino en formar parte de un momento cultural que se siente más cercano y más auténtico, vivir el momento y compartirlo en redes.
Este cambio también se refleja en el sonido de la música que está emergiendo. La Gen Z creció en un entorno donde las fronteras entre géneros prácticamente desaparecieron. El resultado es una generación de artistas que no ve sentido en elegir un solo lenguaje musical. Hoy conviven propuestas que mezclan trap con funk, regional con electrónica o pop con influencias de tradiciones locales, una mezcla total que hace unos 10 años parecía imposible.
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Casos recientes lo ilustran bien. Proyectos como los de Peso Pluma, que mezclan corridos con hip-hop y estética global, o el fenómeno de Young Miko dentro del trap y el pop alternativo, muestran cómo las nuevas audiencias responden a propuestas que cruzan géneros y códigos culturales sin complejos. Lo mismo ocurre en escenas más experimentales donde artistas incorporan sonidos regionales, electrónica o incluso lenguas originarias dentro de estructuras contemporáneas.
Más que una tendencia estética, esto revela algo más profundo: la identidad cultural contemporánea es híbrida por naturaleza. Las nuevas audiencias no buscan pureza de género ni etiquetas rígidas. Buscan propuestas que reflejen la diversidad de referencias con la que crecieron.
Para la industria musical, esto implica repensar varias cosas al mismo tiempo. La programación de festivales, el diseño de experiencias en vivo y hasta los modelos de monetización están empezando a adaptarse a una audiencia que valora tanto el contexto como la música misma. En muchos casos, la experiencia completa —desde el espacio hasta la narrativa del evento— se vuelve tan importante como el lineup.
También es un recordatorio de que el comportamiento del público evoluciona más rápido que las estructuras de la industria. Entender estas nuevas dinámicas no significa abandonar lo que ha funcionado durante décadas, sino ampliar la forma en la que imaginamos el encuentro entre artistas y audiencias.
La Gen Z no está rechazando la cultura musical. Está redefiniendo sus códigos. Y en ese proceso está abriendo la puerta a formatos más diversos, sonidos más híbridos y experiencias que responden a una sensibilidad distinta.
Para artistas, promotores y sellos, el reto es observar con atención. Porque detrás de estas transformaciones no hay solo una moda generacional, sino una nueva forma de relacionarse con la música y con la cultura que la rodea.
Sobre el autor:
*Guillermo Gutiérrez Leyva es Senior Vicepresidente de A&R, Sony Music Latin Iberia.
Las opiniones expresadas son sólo responsabilidad de sus autores y son completamente independientes de la postura y la línea editorial de Forbes México.
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